Empatia: no mundo cada vez mais polarizado e hostil em que parecemos viver, é fácil acreditar que é uma arte perdida. Estamos tão acostumados a reduzir os outros a ferramentas e idéias, ou mesmo inimigos, em vez de vê-los como seres humanos que são. Descrevemos as pessoas por exemplo: um revendedor iptv como equivocadas ou problemáticas sem pensar sobre de onde vieram esses problemas ou como se desviaram de seu caminho. Ou, talvez ainda pior, ignoramos questões e injustiças simplesmente porque não somos pessoalmente afetados por elas.

A arte tem o poder de curar. Mesmo que alguns zombem de tal afirmação (embora eu não gostaria de acreditar que existem pessoas que sentem que nunca foram alteradas ou afetadas por uma obra de arte), é um erro subestimar esse poder e o efeito pode afetar as pessoas que vão ouvir. A arte pode mostrar às pessoas coisas que não podem ser transmitidas de outra forma. Se algo pode aliviar a falta de empatia sentida no mundo agora, é a arte, seja poesia ou prosa, música ou ilustrações. Ou, claro, filme.

O cinema como um todo pode ser visto como um veículo de empatia – em geral, o objetivo de um filme é fazer com que o público sinta que viveu as experiências do personagem na tela ou através de uma revenda p2p e pode se identificar com suas lutas. A compreensão é a base vital para a empatia e a conexão, e este não é um conceito estranho ao cinema. No entanto, alguns filmes estão repletos de compaixão a tal ponto que redefinem o que pode ser a empatia no cinema.

Esses filmes contêm empatia em camadas – não apenas o público sente empatia pelos personagens, mas a empatia parece emanar da direção e da escrita do filme. Os personagens mostram compaixão uns pelos outros, transmitida por meio de ternos momentos de conexão humana. Há um sentimento de sensibilidade e compreensão em todos os níveis, e o cineasta acredita que o público é capaz de extrair esses sentimentos do filme.

Há uma universalidade nas táticas cinematográficas que transcendem a situação literal. Não é necessário se relacionar com os conflitos particulares que um personagem está enfrentando, desde que o filme consiga transmitir as emoções e reações mais amplas associadas a essa situação. Isso pode ser alcançado de várias maneiras, e não é tanto científico, mas profundamente visceral.

Um filme como “Us and Them” de 2018 demonstra isso de forma um tanto óbvia, tornando-o um exemplo relativamente fácil de apontar. No entanto, há uma linha tênue entre o cinema verdadeiramente empático e a manipulação emocional pura, então nada é definitivo ou indiscutível (afinal, quanto pode ser chamado de “objetivo” no cinema e na arte em geral?). “Us and Them”, dirigido por René Liu, segue a relação incerta e tumultuada entre dois jovens adultos de classe baixa que se encontram em um trem.

Existem várias barreiras para ser capaz de se relacionar com esta história, já que nem todo mundo viveu a pobreza, nem todo mundo tem um relacionamento prejudicado com um dos pais, nem todo mundo teve o tipo de relacionamento romântico dramático no qual o filme é centrado, nem todo mundo entende as nuances sociais do ambiente e assim por diante. Pode ser óbvio apontar que não é preciso ter vivido as situações retratadas na tela para encontrar algo com que se relacionar, nem para sentir compaixão pelos personagens.

Ver essas situações retransmitidas por meio da arte é um componente importante para obter uma maior compreensão dessas situações. “Us and Them” segue um romance decadente, e é capaz de entregar o impacto emocional dessa decadência, primeiro mostrando esse romance de uma forma idealista, quase ao ponto de parecer uma fantasia.

Tudo, desde a música ousada e atual à maravilhosa paisagem de inverno e o diálogo vibrante, transmite essa sensação de perfeição impossível – como as coisas parecem antes que as rachaduras se tornem aparentes e a cor seja lavada. O contraste absoluto entre esse passado perfeito e o presente sombrio e desbotado faz com que o público sinta como se algo fosse pessoalmente tirado deles.

Eles sentem a perda da felicidade assim como os personagens, mesmo que fosse necessária uma técnica cinematográfica para transmitir esse sentimento com tanta força. Momentos ternos e genuínos entre os personagens podem ser muito eficazes quando se trata de incutir empatia, pois esses momentos demonstram que os personagens têm empatia um pelo outro.

Freqüentemente, esses momentos podem ser inesperados – o público fica tão envolvido com uma revenda iptv p2p e pelo drama explícito da situação mostrada na tela que um momento de conexão verdadeira pode ser um evento chocante e comovente. É impossível descrever as nuances das relações de “Nós e Eles”, que requerem realmente assisti-lo, mas um exemplo disso pode, no entanto, ser descrito no contexto do filme.

Há um ponto próximo ao final do filme em que tudo em seu poder foi feito para produzir um público destruído e destruído, que passa a ser o melhor momento para desferir um golpe emocional surpreendente. Embora o filme seja principalmente sobre a relação romântica entre o casal, espreitar no contexto relativo é uma fonte significativa de compaixão que se torna mais forte por sua justaposição com o romance decadente. Uma trama secundária segue o pai do protagonista masculino, já que com o tempo ele é efetivamente abandonado por seu filho e, lentamente, perde os amigos e familiares que antes o cercavam.

De certa forma, o filme emprega um método que espelha o já citado contraste entre o passado e o presente, e está atento a essa comparação. Entre as ruínas de relacionamentos perdidos, há um momento de esperança e positividade que também transmite uma sensação de dor e desespero ao longo da vida. O personagem pai, à medida que envelhece, não se importa com o fato de que o casal central do filme não acabou junto, e ele não se preocupa com o fato de que ele se afastou de seu filho.

Ele ainda faz um gesto de compaixão para com a ex-namorada de seu filho, escrevendo para ela: “Cuide-se. Volte para casa a qualquer hora quando estiver cansado. ” Apesar de toda a dor e decepção, este gesto genuíno não só mostra que ele é empático com seus problemas, mas também fortalece a empatia que o público sente por ele, sabendo de tudo o que ele passou ao longo do filme.

Um filme que aplica táticas semelhantes, talvez em maior grau e com maior efeito, é “Ilo Ilo” de Anthony Chen. O filme tem como pano de fundo a crise financeira asiática em Cingapura. Embora a suposição implícita seja que não há tempo nem espaço para conexão significativa entre o conflito econômico desenfreado, o filme oferece momentos inesperadamente delicados que refutam essa suposição.

É fácil ser pego por uma mentalidade de “cada um por si” quando todos estão sendo afetados negativamente, e é fácil esquecer que, em tais situações, as pessoas enfrentam conflitos pessoais que podem ser mentalmente reduzidos e considerados insignificantes quando comparados a os maiores problemas. Isso é facilmente visto em nosso mundo moderno em qualquer momento, quando os grandes conflitos prevalecem na mente das pessoas.

“Ilo Ilo” está repleto de pequenos momentos significativos que transmitem um senso de compreensão entre os personagens. Sua situação compartilhada às vezes parece distanciá-los, pois todos eles se esforçam ao máximo em fachadas endurecidas para combater a forte negatividade da situação, mas essas fachadas não são quase perfeitas. Raiva, tristeza e desespero ainda vazam pelas fendas, levando a uma honestidade que parece vir do nada. As fachadas que os personagens colocam não inibem a empatia. Mesmo que seus conflitos internos permaneçam vagos, pequenos detalhes permitem um senso de compreensão geral e relacionabilidade.

Ao assistir “Ilo Ilo”, fiquei surpreso com a aparente sensação de nostalgia que o filme me deu. Não estava vivo no período em que o filme se passa, nem nunca morei no país em que se passa. Foi nostalgia de algo que nunca experimentei de fato, demonstrando o sentimento de saudade que me foi entregue pelo universal elementos que borbulham na superfície do filme, ultrapassando as barreiras ostensivamente apresentadas pelas diferenças de situação.

Quer as lutas dos personagens sejam ou não diretamente relacionáveis, os conflitos que eles enfrentam e a maneira como enfrentam suas lutas é universal. A maneira como eles processam e expressam suas emoções é maior do que suas circunstâncias – tudo faz parte do ser humano. Quando um filme apresenta esse elemento expressamente humano para o primeiro plano e o faz de uma forma sutil e honesta, é fácil se conectar com os personagens e sentir por eles.

É fácil entendê-los e de onde eles vêm. “Ilo Ilo” faz isso especialmente quando segue um personagem agindo de uma forma que parece ser irracional, e então essas rachaduras na fachada começam a se formar, a honestidade começa a brilhar e, de repente, a compreensão enche o ar. Todo mundo está com dor e essa dor pode levá-los a ignorar o que está dentro, mas esconder isso completamente é quase impossível. As sutilezas no diálogo e nas performances podem desempenhar um grande papel nisso.

“Nunca, raramente, às vezes, sempre” é um filme que demonstra o poder de uma performance quando se trata de revelar apenas o suficiente para incutir empatia, mas mantendo uma personagem que mantém tantas coisas reprimidas e armazenadas, tentando manter sua guarda apesar de seus problemas . Os dois personagens principais do filme são implacavelmente compreensivos e enfrentam um mundo que parece em grande parte empático com suas lutas. É como se o cineasta conduzisse os personagens por um mundo caótico, alcançando a câmera com uma mão invisível.

O filme segue uma adolescente, chamada Autumn, que está grávida e quer interromper a gravidez. Ironicamente, quando ela expressa esse desejo a uma enfermeira, essa enfermeira tenta explorar a simpatia de Autumn por meio de vídeos e panfletos anti-aborto para desencorajá-la de seguir o procedimento. Autumn continua determinada, tentando abortar por meio de suplementos e batendo no próprio estômago. É quando ela confessa sua gravidez para sua prima e colega de trabalho Skylar que a empatia entra em cena.

Poucas palavras são faladas entre Skylar e Autumn, já que a última mostra-se quieta e se mantém principalmente para si mesma. Porém, muito se fala nos olhares entre os dois personagens. Eles transmitem preocupação, dor, confusão e compreensão por meio desses olhares, estabelecendo que as palavras podem não ser tão úteis quando se trata de revelar o que está escondido bem no fundo desses personagens.

O filme permanece ambíguo quando se trata dos detalhes da dor que Autumn experimentou, mas é através do que não foi dito que tudo fica claro. E de certa forma essa ambigüidade ajuda quando se trata de ser empática com a situação dela – permite que as pessoas projetem suas próprias experiências no filme, já que as emoções expressas são familiares, mesmo que a situação seja vaga.

A câmera em si parece empática e íntima no filme, revelando as nuances das expressões dos personagens por meio de close-ups. Por meio de um semblante aparentemente estóico, as menores coisas são reveladas pela câmera e captadas pelo espectador, seja inconscientemente ou não. Um brilho perpétuo nos olhos de Autumn parece servir como uma janela embaçada para sua alma, revelando uma pequena quantidade do que ela está mantendo engarrafada dentro dela.

Muito parecido com “Ilo Ilo”, são os momentos ternos que vêm de lugares inesperados que tendem a ser mais empáticos. Depois que Autumn grita com ela, Skylar ainda leva tempo para aplicar suavemente a maquiagem no rosto de Autumn, nenhum deles dizendo uma palavra, exceto para instruções gentilmente expressas.

A câmera flutua de Autumn para seu reflexo e depois volta, absorvendo a surpreendente falta de tensão do momento. É um gesto que diz “Eu entendo, vamos agora seguir em frente”, interrompendo qualquer vitríolo em seu caminho. Outro momento ocorre quando Skylar está sendo aproveitado por um jovem, uma situação muito familiar para Autumn, e muito familiar para o público.

Enquanto Autumn testemunha a cena de Skylar sendo beijada pelo homem, o rosto de Skylar cheio de preocupação em vez de prazer, ela agarra a mão de Skylar e, em seguida, une seus dedos mínimos, um gesto comovente e carinhoso que contrasta com o horror suave da situação

É importante para um filme como “Nunca, raramente, às vezes, sempre” instilar empatia, pois retrata uma situação que muitas vezes tem a empatia removida em suas representações populares. O filme permite que o público entenda as nuances dessas circunstâncias e os lembra do humano no centro. É vital que uma grande variedade de situações seja representada na tela, já que o filme tem o poder de induzir a compreensão.

Dá voz ao ignorado. Empatia e compaixão tendem a ter efeitos propagadores. Quando os personagens em um filme são compassivos uns com os outros, quando o cineasta por trás de uma câmera retrata seus assuntos de uma forma empática, o espectador é capaz de compreender mais facilmente as lutas e problemas que estão sendo mostrados.

E, à medida que essa empatia se mostra por meio das palavras e conduta do espectador, ela só pode se espalhar ainda mais. Embora nosso mundo não seja quase perfeito, a arte é capaz de torná-lo mais compassivo como um todo. Apesar do fato de que estamos expostos a ações decididamente sem coração diariamente em nossas vidas e através dos eventos atuais, é importante que perseveremos e permaneçamos compreensivos.

É realmente a única maneira de sobreviver neste mundo. Afinal, uma vida que é vivida apenas para si mesmo não parece ser uma vida que valha a pena ser vivida. Existe um mundo totalmente diverso lá fora, e a arte nos permite transcender nossas próprias situações e ver o que mais está lá fora. Permite-nos colocar-se no lugar dos outros e sentir parte do peso de seus problemas. Permite-nos ouvir e falar. A arte tem esse poder. O cinema tem esse poder. Por que permitir que esse poder permaneça inexplorado?